どうも、DinoJr.です。

今回取り上げるのは、現代ポップ／ジャズ／クラシックの境界線を一気に溶かしてしまった音楽家、Jacob Collier（ジェイコブ・コリアー）。

Jacob Collierとは？

「天才」という言葉がこれほど似合うアーティストも珍しいんじゃないかな、と思います。

特にライブでの Audience Choir（観客合唱）は象徴的。

観客にその場でハーモニーを割り振り、ジェイコブ自身が指揮しながら、たった数十秒で巨大なコーラスアンサンブルを作ってしまう。

これが成立してしまうのは、彼が「旋律とハーモニーの重心」を完全に把握しているからで、まるで空間を3Dで見ているような作曲技法ゆえ。

魅力

次に注目したいのが、リズムの扱い方。

彼は表拍・裏拍の解釈だけじゃなく、ポリリズムや拍子の重なりを“遊ぶように”使う。

例えば7/4と4/4を同時に走らせたり、ビートの重心をスライドさせて生まれる「不思議な揺れ」をそのまま楽曲の魅力に変えてしまいます。

一般的には数学的なアプローチに見えるけど、ジェイコブ自身はそれを“縛り”ではなく「音のダンス」だと考えているところが面白い。

そしてもうひとつ重要なのが、マルチインストゥルメンタルの精度。

彼はピアノ、ベース、ギター、ドラム、パーカッション、ボイスなど、ほとんどのパートを自分で演奏できる。

しかも“なんとなくできる”レベルじゃなくて、どの楽器を触ってもその楽器のらしさが出る。

これは単純に練習量だけじゃなく、アンサンブル全体の構造を俯瞰できる能力があるからこそ。

特にベースラインの作り方は上手くて、ハーモニーの補強だけじゃなく、メロディックな役割とリズムの推進力を同時に担っている。

彼の曲を聴くと、ベースが縦にも横にも動いているように感じるのはそのせいです。

制作面では、ジェイコブは宅録の極みみたいなスタイルを20代前半で確立してしまった。

部屋のベッドの上で、Logic の中に膨大なトラックを積み重ね、ハーモニーの海を作り出す。

これがYouTubeでバズったことは有名だけど、実はその過程で彼は

「自分の脳内のハーモニーを、最短距離で音にする方法」

を見つけたんじゃないかと思う。

2016年以降はQuincy Jones、Herbie Hancock、Chris Martin（Coldplay）など、音楽界の巨人がこぞって彼を支持し始める。

ここからジェイコブは“天才少年”から、“現代音楽のキーパーソン”へと完全にステップアップした。

さらに近年の『Djesse（ジェシー）』シリーズでは、世界各地の伝統音楽やクラシック、R&B、ポップスまで縦横無尽に融合していて、

単純な“多重録音の天才”という枠をはるかに超えている。

特にストリングスアレンジの美しさは異常で、コード進行そのものよりも、各ボイスの“動き方”で感情を作るのがジェイコブの真骨頂。

個人的にジェイコブから学べるのは、

「音楽は言語じゃなくて“空間そのもの”なんだ」

という発想の柔軟さ。

彼の音楽を聴くと、コードやリズムという概念が“説明のための言葉”に過ぎないことに気づかされます。

実際の音はもっと自由で、もっと有機的で、もっと遊び心がある。

ジェイコブはよく「音楽は自分の外側に存在していて、僕はただそれを見つけるだけ」と語っているけど、

それってすごくシンプルでありながら、音楽家にとって一番むずかしい感覚でもある。

彼の音楽がこんなにも伸びやかで優しいのは、そういう“見つける姿勢”が根底にあるからなんじゃないかな、と思う。

ということで、今回はJacob Collierでした。

ハーモニー、リズム、アンサンブル──すべてをアップデートしてしまった現代の音楽家。

もしまだ聴いたことがない人は、『Djesse Vol.2』あたりから入るのが自然かもです。

DinoJr.でした！

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